핑거스타일(Fingerstyle Guitar)이란?

- 기타를 연주하는 연주법에 대한 용어로서 손가락을 이용한 탄현방식을 일컫는 말입니다.

   비슷한 뜻으로 핑거피킹(Finger-Picking)이라는 용어를 사용하기도 하며,

   플렛피크를 이용한 탄현방식을 뜻하는 플렛피킹(Flat-Picking)과 상반된 개념입니다.

-  따라서, 넓은 의미로는 핑거피킹 주법을 이용한 모든 형태의 기타 연주를 지칭할 수도 있으나,

   일반적으로 핑거피킹 주법을 기본으로 하는 기타연주가 해당 음악의 중심을 이루고 있을때 핑거스타일이라는 용어를 사용합니다.

- 연주형태에 대한 용어이므로, 음악장르에 대한 구분을 내포하고 있지 않습니다.

  (Pop, Rock, Jazz, Ballad, Classic 등등 기타로 연주가능한 모든 음악장르를 표현할 수 있음)

- 기타에 대한 구분을 내포하고 있지 않습니다. 즉, 클래식기타 연주, 핑거피킹을 이용한 일렉트릭 기타 연주 등을

  모두 포함할 수 있는 포괄적인 용어입니다.

- 단, 핑거스타일 음악의 주류는 어쿠스틱 기타 독주 (Acoustic Guitar Solo Performance) 위주로 형성되어 있기 때문에

  "핑거스타일"이라 함은 주로 이를 지칭하는 경우가 대부분 입니다. (재즈기타 연주 등 일렉트릭 기타 독주가 포함되기도 합니다.)

   핑거스타일 카페 등 국내 핑거스타일 포럼에서 다루는 범주도 이와 같습니다.

- 리듬악기의 효과를 내는 각종 퍼커시브(Percussive) 주법, 기타줄을 강하게 때리거나 눌러서 소리를 내는 태핑(Tapping) 주법 등

  기타의 사운드를 확장하기 위한 진보적인 연주기법들이 다양하게 시도되고 있는 점도 핑거스타일 음악의 특징이라 할 수 있지만,

  이러한 진보적 연주기법의 유무가 핑거스타일을 정의하지는 않습니다.

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http://en.wikipedia.org/wiki/Fingerstyle_guitar#Fingerstyle_as_technique

http://www.ultimate-guitar.com/

http://cafe.naver.com/fingerstyle

http://en.wikipedia.org/wiki/Category:Fingerstyle_guitarists

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Fingerstyle guitar

From Wikipedia, the free encyclopedia

This article is about the guitar style. For the Chet Atkins album, see Finger Style Guitar.

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Fingerstyle guitar

Fingerstyle guitar is the technique of playing the guitar by plucking the strings directly with the fingertips, fingernails, or picks attached to fingers, as opposed to flatpicking(picking individual notes with a single plectrum called a flatpick).

The term "fingerstyle" is something of a misnomer, since it is present in several different genres and styles of music - but mostly, because it involves a completely different technique, not just a "style" of playing, especially for the guitarist's right hand. The term is often used synonymously with fingerpicking, although fingerpicking can also refer to a specific tradition of folk, blues and country guitar playing in the US. See below.

Music arranged for fingerstyle playing can include chords, arpeggios and other elements such as artificial harmonics, hammering on and pulling off with the fretting hand, using the body of the guitar percussively, and many other techniques. Many times, the guitarist will play a chord and melody simultaneously, giving an advanced feeling of depth to the song. Fingerpicking is a standard technique on the classical or nylon string guitar, but is considered more of a specialized technique on steel string guitars and even less usual on electric guitars.

Contents

  [hide] 

• 1 Fingerstyle as technique
• 2 Advantages and disadvantages
• 3 Nylon string guitar styles
  • 3.1 Classical guitar fingerstyle
    • 3.1.1 Notation
    • 3.1.2 Alternation
    • 3.1.3 Tone production
  • 3.2 Flamenco guitar fingerstyle
  • 3.3 Bossa nova
• 4 North American fingerpicking tradition
  • 4.1 Ragtime guitar
  • 4.2 Carter Family picking
  • 4.3 Travis picking
  • 4.4 Clawhammer and frailing
  • 4.5 American primitive guitar
• 5 Other acoustic styles
  • 5.1 Folk baroque
  • 5.2 "New Age" fingerstyle
  • 5.3 Percussive fingerstyle
  • 5.4 Funky Fingerstyle
  • 5.5 African fingerstyle
• 6 Slide, steel and slack-key guitar
  • 6.1 Slide guitar
  • 6.2 Slack-key guitar
• 7 Electric fingerstyle
  • 7.1 Fingerstyle jazz guitar
  • 7.2 Electric blues and rock
• 8 Notes
• 9 References

Fingerstyle as technique[edit]

Because notes are struck by individual digits rather than the hand working as a single unit, fingerstyle playing allows the guitarist to perform several musical elements simultaneously. One definition of the technique has been put forward by the Toronto (Canada) Fingerstyle Guitar Association:

Physically, “Fingerstyle” refers to using each of the right hand fingers independently in order to play the multiple parts of a musical arrangement that would normally be played by several band members. Bass, harmonic accompaniment, melody, and percussion can all be played simultaneously when playing Fingerstyle.^[1]

Advantages and disadvantages[edit]

This article contains a pro and con list, which is sometimes inappropriate. Please helpimprove it by integrating both sides into a more neutral presentation, or remove this template if you feel that such a list is appropriate for this article. (November 2012)

• Players do not have to carry a plectrum; but fingernails may have to be maintained at the right length and in good condition.
• It is possible to play multiple non-adjacent strings at exactly the same time^[2]
• It is more suitable for playing polyphonically, with separate musical lines, or separate melody, harmony and bass, and therefore more suitable to unaccompanied soloing. Fingerstyle players have up to four (or five) surfaces striking the string independently; however, that does not equate to four plectrums, since plectrums can strike strings on both an up and a downstroke, which fingers generally cannot^[3] (an exception to this may be found in the flamenco techniques of rasguedo andpicado).
• It is easy to play arpeggios; but the techniques for tremolo and melody playing are more complex than with plectrum playing.
• It is possible to play chords without any arpeggiation, because up to 5 strings can be plucked simultaneously.
• There is less need for fretting hand damping in playing chords, since only the strings that are required can be plucked.
• A greater variation in strokes is possible, allowing greater expressiveness in timbre.
• A wide variety of strums and rasgueados are possible.
• Less energy is generally imparted to strings than with plectrum playing, leading to lower volume when playing acoustically.
• Playing on heavier gauge strings can damage nails: fingerstyle is more suited to nylon strings or lighter gauge steel strings (but this does not apply to fingerpicks, or when the flesh of the fingers is used rather than the nail - as is the case with the lute.)

Nylon string guitar styles[edit]

Nylon string guitars are most frequently played fingerstyle^{[dubious – discuss][citation needed]}.

Classical guitar fingerstyle[edit]

John Williams

Main article: Classical guitar technique

The term "Classical guitar music" can refer to any kind of art music played on a nylon string guitar, or more narrowly to music of the classical period, as opposed to baroque or romantic music. The major feature of classical fingerstyle technique is that it has evolved to enable solo rendition ofharmony and polyphonic music in much the same manner as the piano can. The technique is intended to maximise the degree of control over the musical dynamics, texture, volume and timbral characteristics of the guitar. Careful attention is paid to the physical posture of the player. Thumb, index, middle and ring fingers are all employed for plucking. Chords are often plucked, with strums being reserved for emphasis. The repertoire varies in terms of keys, modes, rhythms and cultural influences. Altered tunings are rarely employed, with the exception of Dropped D.

Notation[edit]

Fingerings for both hands are often given in detail in classical guitar music notation, although players are also free to add to or depart from them as part of their own interpretation. Fretting hand fingers are given as numbers, plucking hand fingers are given as letters

Finger	Notation	Finger	Notation
-	-	Thumb	p
Index	1	Index	i
Middle	2	Middle	m
Ring	3	Ring	a
Little	4	Little	c OR x OR e

In guitar scores the five fingers of the right-hand (which pluck the strings) are designated by the first letter of their Spanish names namely p = thumb (pulgar), i = index finger (índice), m = major finger (mayor), a = ring finger (anular), c = little finger or pinky (chiquito).^[4]

The four fingers of the left hand (which stop the strings) are designated 1 = index, 2 = major, 3 = ring finger, 4 = little finger; 0 designates an open string, that is a string that is not stopped by a finger of the left hand and whose full length thus vibrates when plucked. On the classical guitar thumb of the left hand is never used to stop strings from above (as is done on the electric guitar): the neck of a classical guitar is too wide and the normal position of the thumb used in classical guitar technique do not make that possible.

Scores (contrary to tablatures) do not systematically indicate the string to be plucked (although in most cases the choice is obvious). When an indication of the string is required the strings are designated 1 to 6 (from the 1st the high E to the 6th the low E) with figures 1 to 6 inside circles.

The positions (that is where on the fretboard the first finger of the right hand is placed) are also not systematically indicated, but when they are (mostly in the case of the execution of barrés) these are indicated with Roman numerals from the first position I (index finger of the left hand placed on the 1st fret: F-B flat-E flat-A flat-C-F) to the twelfth position XII (the index finger of the left hand placed on the 12th fret: E-A-D-G-B-E; the 12th fret is placed where the body begins) or higher up to position XIX (the classical guitar most often having 19 frets, with the 19th fret being most often split and not being usable to fret the 3rd and 4th strings).

Alternation[edit]

To achieve tremolo effects and rapid, fluent scale passages, and varied arpeggios the player must practice alternation, that is, never plucking a string with the same finger twice. Common alternation patterns include:

• i-m-i-m : Basic melody line on the treble strings. Has the appearance of "walking along the strings".
• i-m-a-i-m-a : Tremolo pattern with a triplet feel (i.e. the same note is repeated three times)
• p-a-m-i-p-a-m-i : Another tremolo pattern..
• p-m-p-m : A way of playing a melody line on the lower strings.

Tone production[edit]

Classical guitarists have a lot of freedom within the mechanics of playing the instrument. Often these decisions with influence on tone/timbre - factors include:

• At what position along the string the finger plucks the string (This is actively changed by guitarists since it is an effective way of changing the sound(timbre) from "soft"(dolce) plucking the string near its middle, to "hard"(ponticelo) plucking the string near its end).
• Use of nail or not: Modern classical guitar playing uses a technique in which both the nail and the fingertip contact the string during normal playing. (Andreas Segovia is often credited with popularizing this technique.) Playing with either fingertips alone (dita punta) or fingernails alone (dita unghis) are considered special techniques for timbral variation.

Concert guitarists must keep their fingernails smoothly filed and carefully shaped^[5] to employ this technique, which produces a better-controlled sound than either nails or fingertips alone. Playing parameters include:

• Which finger to use.
• What angle of attack to hold the wrist and fingers at with respect to the strings.
• Rest-stroke apoyando; the finger that plucks a string rests on the next string—traditionally used in single melody lines—versus free-stroke tirando (plucking the string without coming to a rest on the next string).

Flamenco guitar fingerstyle[edit]

Main article: Flamenco guitar

Paco Peña

Flamenco technique is related to classical technique, but with more emphasis on rhythmic drive and volume, and less on dynamic contrast and tone production. Flamenco guitarists prefer keys such as A and E that allow the use of open strings, and typically employ caposwhere a departure is required. They often strengthen their fingernails artificially.^{[citation needed]}

Some specialized techniques include:

• Picado: Single-line scale passages performed apoyando but with more attack and articulation.
• Rasgueado: Strumming frequently done by bunching all the right hand fingers and then flicking them out in quick succession to get four superimposed strums (although there are a great many variations on this). The rasgueado or "rolling" strum is particularly characteristic of the genre.
• Alzapua: A thumb technique which has roots in oud plectrum technique. The right hand thumb is used for both single-line notes and strummed across a number of strings. Both are combined in quick succession to give it a unique sound.
• Tremolo: Done somewhat differently from the conventional classical guitar tremolo, it is very commonly played with the right hand pattern p-i-a-m-i.

Bossa nova[edit]

Bossa nova is most commonly performed on the nylon-string classical guitar, played with the fingers rather than with a pick. Its purest form could be considered unaccompanied guitar with vocals, as exemplified by João Gilberto. Even in larger, jazz-like arrangements for groups, there is almost always a guitar that plays the underlying rhythm. Gilberto basically took one of the several rhythmic layers from a samba ensemble, specifically the tamborim, and applied it to the picking hand.

North American fingerpicking tradition[edit]

Fingerpicking (also called thumb picking, alternating bass, or pattern picking) is a term that is used to describe both a playing style and a genre of music. It falls under the "fingerstyle" heading because it is plucked by the fingers, but it is generally used to play a specific type of folk, country-jazz and/or blues music. In this technique, the thumb maintains a steady rhythm, usually playing "alternating bass" patterns on the lower three strings, while the index, or index and middle fingers pick out melody and fill-in notes on the high strings.

The style originated in the late 19th and early 20th centuries, as southern African-American blues guitarists tried to imitate the popular ragtime piano music of the day, with the guitarist's thumb functioning as the pianist's left hand, and the other fingers functioning as the right hand. The first recorded examples were by players such as Blind Blake, Big Bill Broonzy, Memphis Minnieand Mississippi John Hurt. Some early blues players such as Blind Willie Johnson and Tampa Red added slide guitar techniques. Fingerpicking was soon taken up by country and Western artists such as Sam McGee, Ike Everly (father of The Everly Brothers),Merle Travis and "Thumbs" Carllile. Later Chet Atkins further developed the style.

Most fingerpickers use acoustic guitars, but some, including Merle Travis often played on hollow-body electric guitars.^[6]

Ragtime guitar[edit]

Blind Blake.

As mentioned above, fingerpicking has similar roots to and is possibly inspired by ragtimepiano. An early master of ragtime guitar was Blind Blake, a popular recording artist of the late 1920s and early 1930s.

In the 1960s, a new generation of guitarists returned to these roots and began to transcribe piano tunes for solo guitar. One of the best known and most talented of these players wasDave Van Ronk who arranged St. Louis Tickle for solo guitar. In 1971, guitarists David Laibman and Eric Schoenberg arranged and recorded Scott Joplin rags and other complex piano arrangements for the LP The New Ragtime Guitar on Folkways Records. This was followed by a Stefan Grossman method book with the same title. A year later Grossman and ED Denson founded Kicking Mule Records, a company that recorded scores of LPs of solo ragtime guitar by artists including Grossman, Ton van Bergeyk, Leo Wijnkamp, Duck Baker, Peter Finger, Lasse Johansson, Tom Ball and Dale Miller. One of today's top ragtime stylists is Craig Ventresco, who is best known for playing on the soundtracks of variousTerry Zwigoff movies.

Carter Family picking[edit]

Carter Family picking, also known as "'thumb brush' technique or the 'Carter lick,' and also the 'church lick' and the 'Carter scratch'",^[7] is a style of fingerstyle guitar named for Maybelle Carter of the Carter Family's distinctive style of rhythm guitar in which the melody is played on the bass strings, usually low E, A, and D while rhythm strumming continues above, on the treblestrings, high E, B, and G. This often occurs during the break.^[8]

Travis picking[edit]

This style is commonly played on steel string acoustic guitars. Pattern picking is the use of "preset right-hand pattern[s]" while fingerpicking, with the left hand fingering standard chords.^[9]

The most common pattern, sometimes broadly (and incorrectly^{[citation needed]}) referred to as Travis picking after Merle Travis, and popularized by Chet Atkins, Marcel Dadi and Tommy Emmanuel, is as follows:

Middle | X     X       | X     X
Index  |   X       X   |   X       X
Thumb  | X   X   X   X | X   X   X   X

The thumb (T) alternates between bass notes, often on two different strings, while the index (I) and middle (M) fingers alternate between two treble notes, usually on two different strings, most often the second and first. Using this pattern on a C major chord is as follows in notation and tablature:

Travis picking.^[10]  Play (help·info)

However, Travis' own playing was often much more complicated than this example. He often referred to his style of playing as "thumb picking", possibly because the only pick he used when playing was a banjo thumb pick, or "Muhlenberg picking", after his native Muhlenberg County, Kentucky, where he learned this approach to playing from Mose Rager and Ike Everly. Travis' style did not involve a defined, alternating bass string pattern; it was more of an alternating "bass strum" pattern, resulting in an accompanying rhythm reminiscent of ragtime piano.

Clawhammer and frailing[edit]

"Clawhammer" and "Frailing" are primarily banjo techniques which are sometimes applied to the guitar.^[11] Jody Stecher and Alec Stone Sweet are exponents of guitar clawhammer.

Fingerstyle guitarist Steve Baughman distinguishes between frailing and clawhammer as follows. In frailing, the index fingertip is used for up-picking melody, and the middle fingernail is used for rhythmic downward brushing. In clawhammer, only downstrokes are used, and they are typically played with one fingernail as is the usual technique on the banjo.^[12]

American primitive guitar[edit]

Main article: American Primitivism

John Fahey

American primitive guitar, or American Primitivism, is a subset of fingerstyle guitar. It originated with John Fahey, whose recordings from the late 1950s to the mid 1960s inspired many guitarists such as Leo Kottke, who made his debut recording of 6 and 12 String Guitar on Fahey's Takoma label in 1969. American primitive guitar can be characterized by the use of folk music or folk-like material, driving alternating-bass fingerpicking with a good deal of ostinato patterns, and the use of alternative tunings (scordatura) such as open D,open G, drop D and open C. The application or "cross-contamination" of traditional forms of music within the style of American Primitivism, is also very common. Examples of traditions that John Fahey and Robbie Basho would employ in their compositions include, but are not limited to, the extended Raga of Indian classical music, the Japanese Koto, and the early ragtime based country blues music of Mississippi John Hurt or Blind Blake.

Other acoustic styles[edit]

Folk baroque[edit]

Main article: Folk baroque

Davy Graham.

A distinctive style to emerge from Britain in the early 1960s, which combined elements of American folk, blues, jazz and ragtime with Britishtraditional music, was what became known as 'folk baroque'. Pioneered by musicians of the Second British folk revival began their careers in the short-lived skiffle craze of the later 1950s and often used American blues, folk and jazz styles, occasionally using open D and G tunings.^[13] However, performers like Davy Graham and Martin Carthy attempted to apply these styles to the playing of traditional English modal music. They were soon followed by artists such as Bert Jansch and John Renbourn, who further defined the style.^[14] The style these artists developed was particularly notable for the adoption of D-A-D-G-A-D (from lowest to highest), which gave a form of suspended-fourth D chord, neither major nor minor, which could be employed as the basis for modal based folk songs.^[15] This was combined with a fingerstyle based on Travis picking and a focus on melody, that made it suitable as an accompaniment.^[15]Denselow, who coined the phrase ‘folk baroque’ singled out Graham’s recording of traditional English folk song ‘Seven Gypsys’ on Folk, Blues and Beyond (1964) as the beginning of the style.^[16] Graham mixed this with Indian, African, American, Celtic and modern and traditional American influences, while Carthy in particular used the tuning in order to replicate the drone common in medieval and folk music played by the thumb on the two lowest strings. The style was further developed by Jansch, who brought a more forceful style of picking and, indirectly, influences from Jazz and Ragtime, leading particularly to more complex basslines. Renbourn built on all these trends and was the artist whose repertoire was most influenced by medieval music.^[17]

In the early 1970s the next generation of British artists added new tunings and techniques, reflected in the work of artists like Nick Drake, Tim Buckley and particularly John Martyn, whose Solid Air (1972) set the bar for subsequent British acoustic guitarists.^[18]Perhaps the most prominent exponent of recent years has been Martin Simpson, whose complex mix of traditional English and American material, together with innovative arrangements and techniques like the use of guitar slides, represents a deliberate attempt to create a unique and personal style.^[19] Martin Carthy passed on his guitar style to French guitarist Pierre Bensusan.^[20]It was taken up by in Scotland by Dick Gaughan, and by Irish musicians like Paul Brady, Dónal Lunny and Mick Moloney.^[21]Carthy also influenced Paul Simon, particularly evident on "Scarborough Fair", which he probably taught to Simon, and a recording of Davy’s "Anji" that appears on Sounds of Silence, and as a result was copied by many subsequent folk guitarists.^[15] By the 1970s Americans such as Duck Baker and Eric Schoenberg were arranging solo guitar versions of Celtic dance tunes, slow airs, bagpipe music, and harp pieces by Turlough O'Carolan and earlier harper-composers. Renbourn and Jansch’s complex sounds were also highly influential on Mike Oldfield’s early music.^[22] The style also had an impact within electric folk, where, particularlyRichard Thompson, used the D-A-D-G-A-D tuning, though with a hybrid picking style to produce a similar but distinctive effect.^[21]

"New Age" fingerstyle[edit]

In 1976, William Ackerman started Windham Hill Records, which carried on the Takoma tradition of original compositions on solosteel string guitar. However, instead of the folk and blues oriented music of Takoma, including Fahey's American primitive guitar, the early Windham Hill artists (and others influenced by them) abandoned the steady alternating or monotonic bass in favor of sweet flowing arpeggios and flamenco-inspired percussive techniques. The label's best selling artist George Winston and others used a similar approach on piano. This music was generally pacific, accessible and expressionistic. Eventually, this music acquired the label of "New Age", given its widespread use as background music at bookstores, spas and other New Agebusinesses. The designation has stuck, though it wasn't a term coined by the company itself.

Percussive fingerstyle[edit]

Tommy Emmanuel

This section does not cite any references or sources.Please help improve this section by adding citations to reliable sources. Unsourced material may be challenged and removed.(February 2007)

This section requires expansion.(June 2008)

"Percussive picking" is an emerging term for a style incorporating sharp attacks on the strings, as well as hitting the strings and guitar top with the hand for percussive effect.Flamenco guitarists have been using these techniques for years but the greater resistance of steel strings made a similar approach difficult in fingerstyle until the use of pickups on acoustic guitars became common in the early 1970s. Michael Hedges began to use percussive techniques in the early 1980s. Current percussive fingerstylists include John Mayer, Tommy Emmanuel, Preston Reed, Justin King, Mike Dawes, Don Alder, Erik Mongrain, Phil Keaggy, Thomas Leeb, Jon Gomm, Eric Roche, Doyle Dykes, Michael Gulezian, Don Ross, Andy McKee, Antoine Dufour, Trace Bundy, Luftim Dalipi, Rodrigo y Gabriela, Newton Faulkner, Leandro Kasan, Kotaro Oshio, Sungha Jung, Amos Lim, and Yuki Matsui.

Funky Fingerstyle[edit]

Adam Rafferty

"Funky Fingerstyle" emerged in the mid 2000s as a style in which the sounds of a full funk or R&B ensemble are emulated on one guitar. Uncommon sounds are being discovered thanks to the technical possibilities of various pickups, mics and octave division effects pedals.

Adam Rafferty uses a technique of hip-hop vocal percussion called "human beat box", along with body percussion, while playing contrapuntal fingerstyle pieces. Petteri Sariola has several mics on board his guitar and is able to run up to 6 lines from his guitar to a mixing desk, providing a full "band sound" – bass drum, snare, bass, guitar – as an accompaniment to his vocals.

African fingerstyle[edit]

Lionel Loueke, playing a skeleton guitar. Photo by Sheldon Levy

The 6 string guitar was brought to Africa by traders and missionaries (although there are indigenous guitar-like instruments such as the ngoni). Its uptake varies considerably between regions, and there is therefore no single African acoustic guitar style. In some cases, the styles and techniques of other instruments have been applied to the guitar; for instance, a technique where the strings are plucked with the thumb and one finger imitates the two-thumbed plucking of the kora and mbira.

The pioneer of Congolese fingerstyle acoustic guitar music was Jean Bosco Mwenda, also known as Mwenda wa Bayeke (1930–1990). His song "Masanga" was particularly influential, because of its complex and varied guitar part. His influences included traditional music of Zambia and the Eastern Congo, Cuban groups like the Trio Matamoros, and cowboy movies. His style used the thumb and index finger only, to produce bass, melody and accompaniment. Congolese guitarists Losta Abelo and Edouard Masengo played in a similar style.

Herbert Misango and George Mukabi were fingerstyle guitarists from Kenya.^[23] Ali Farka Toure(d. 2006) was a guitarist from Mali, whose music has been called the "DNA of the blues". He was also often compared to John Lee Hooker. His son Vieux Farka Toure continues to play in the same style. Djelimady Tounkara is another Malian fingerstylist.

S. E. Rogie and Koo Nimo play acoustic fingerstyle in the lilting, calypso-influenced palm wine music tradition.

Benin-born Jazz guitarist Lionel Loueke uses fingerstyle in an approach that combines jazz harmonies and complex rhythms.^[24]He is now based in the US.

Tony Cox (b. 1954) is a Zimbabwean guitarist and composer based in Cape Town, South Africa. A master of the Fingerpickingstyle of guitar playing, he has won the SAMA (South African Music Awards) for best instrumental album twice. His music incorporates many different styles including classical, blues, rock and jazz, while keeping an African flavour.

Tinderwet is a versatile guitarist of the three and sometimes four fingers playing style (thumb, index, middle and ring); he plays several different African styles, including soukous or West African music. He often flavours his playing with jazzy improvisations, regular fingerpicking patterns and chord melody sequences.

Slide, steel and slack-key guitar[edit]

Even when the guitar is tuned to a chord, it is often undesirable for all six strings to sound. When strumming with a plectrum, a guitarist must damp unwanted strings with the fretting hand; when a slide or steel is employed, this fretting hand damping is no longer possible, so it becomes necessary to replace plectrum strumming with plucking of individuals strings. For this reason, slide and steel guitar playing are very often fingerstyle.

Slide guitar[edit]

Main article: Slide guitar

Example of a bottleneck, with fingerpicksand resonator guitar.

Slide guitar or bottleneck guitar is a particular method or technique for playing theguitar. The term slide refers to the motion of the slide against the strings, whilebottleneck refers to the original material of choice for such slides: the necks of glass bottles. Instead of altering the pitch of the strings in the normal manner (by pressing the string against frets), a slide is placed upon the string to vary its vibrating length, and pitch. This slide can then be moved along the string without lifting, creating continuous transitions in pitch.

Slide guitar is most often played (assuming a right-handed player and guitar):

• With the guitar in the normal position, using a slide called a bottleneck on one of the fingers of the left hand; this is known as bottleneck guitar.
• With the guitar held horizontally, with the belly uppermost and the bass strings toward the player, and using a slide called a steel held in the left hand; this is known as lap steel guitar.

Slack-key guitar[edit]

Main article: Slack key guitar

Slack-key guitar is a fingerpicked style that originated in Hawaii. The English term is a translation of the Hawaiian kī hō‘alu, which means "loosen the [tuning] key." Slack key is nearly always played in open or altered tunings—the most common tuning is G-major (DGDGBD), called "taropatch," though there is a family of major-seventh tunings called "wahine" (Hawaiian for "woman"), as well as tunings designed to get particular effects.

Basic slack-key style, like mainland folk-based fingerstyle, establishes an alternating bass pattern with the thumb and plays the melody line with the fingers on the higher strings. The repertory is rooted in traditional, post-Contact Hawaiian song and dance, but since 1946 (when the first commercial slack key recordings were made) the style has expanded, and some contemporary compositions have a distinctly new-age sound.

Slack key's older generation included Gabby Pahinui, Leonard Kwan, Sonny Chillingworth and Raymond Kāne. Prominent contemporary players include Keola Beamer, Moses Kahumoku, Ledward Kaapana, Dennis Kamakahi, John Keawe, Ozzie Kotaniand Peter Moon and Cyril Pahinui.

Electric fingerstyle[edit]

Fingerstyle jazz guitar[edit]

The unaccompanied guitar in jazz is often played in chord-melody style, where the guitarist plays a series of chords with the melody line on top. Fingerstyle, plectrum, or hybrid picking are equally suited to this style. Some players alternate between fingerstyle and plectrum playing, "palming" the plectrum when it is not in use.

Early blues and ragtime guitarists often used fingerstyle. True fingerstyle jazz guitar dates back to early swing era acoustic players like Eddie Lang (1902–1933) Lonnie Johnson (1899–1970) and Carl Kress (1907–1965), Dick McDonough (1904–1938) and theArgentinian Oscar Alemán (1909–1980). Django Reinhardt (1910–1953) used a classical/flamenco technique on unaccompanied pieces such as his composition Tears.^[25]

Fingerstyle jazz on the electric guitar was pioneered by George van Eps (1913–1998) who was respected for his polyphonicapproach, sometimes using a seven string guitar. Wes Montgomery (1925–1968) was known for using the fleshy part of his thumb to provide the bass line while strumming chordal or melodic motives with his fingers. This style, while unorthodox, was widely regarded as an innovative method for enhancing the warm tone assciated with jazz guitar. Montgomery's influence extends to modern polyphonic jazz improvisational methods. Joe Pass (1929–1994) switched to fingerstyle mid career,making theVirtuoso series of albums. Little known to the general public Ted Greene (1946–2005) was admired by fellow musicians for his harmonic skills.^[26] Lenny Breau (1941–1984) went one better than van Eps by playing virtuosic fingerstyle on an eight string guitar. Tommy Crook replaced the lower two strings on his Gibson switchmaster with bass strings, allowing him to create the impression of playing bass and guitar simultaneously.

Chet Atkins (1924–2001) sometimes applied his formidable right-hand technique to jazz standards, with Duck Baker (b. 1949),Richard Smith (b. 1971), Woody Mann and Tommy Emmanuel (b. 1955), among others, following in his footsteps. They use thefingerpicking technique of Merle Travis and others to play wide variety of material including jazz. This style is distinguished by having a steadier and "busier" (several beats to the bar) bass line than the chord melody approach of Montgomery and Pass making it suited to up-tempo material.

Fingerstyle has always been predominant in Latin American guitar playing, which Laurindo Almeida (1917–1995) and Charlie Byrd(1925–1999) brought to a wider audience in the 1950s.

Today, fingerstyle jazz guitar has several proponents: the pianistic Jeff Linsky (b. 1952), freely improvises polyphonically while employing a classical guitar technique.^[27] Earl Klugh (b. 1953) and Tuck Andress have also performed fingerstyle jazz on the solo guitar. Briton Martin Taylor (b. 1956), a former Stephane Grappelli sideman, switched to fingerstyle on relaunching his career as a soloist. His predecessor in Grappelli's band, John Etheridge (b. 1948) is also an occasional fingerstyle player.

Electric blues and rock[edit]

The solid-body electric guitar is rarely played fingerstyle, although no great technical challenges are presented.

Slide guitarists often employ fingerstyle, which applies equally to the electric guitar,for instance Duane Allman and Ry Cooder. Blues guitarists have long used fingerstyle: some exponents include Hubert Sumlin, Albert King, Albert Collins, John Lee Hooker,Derek Trucks, Joe Bonamassa, and Buckethead.

Exponents of fingerstyle rock guitar include, Mark Knopfler, Jeff Beck (after years of pick playing), Bruce Cockburn (exclusively),Robby Krieger, Lindsey Buckingham, Mike Oldfield, Patrick Simmons, Wilko Johnson, J.J. Cale, Robbie Robertson, Hillel Slovak,Annie Clark, Kurt Vile and David Longstreth^[28]

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  Duane Allman

 
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  Ry Cooder

 
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  J. J. Cale

 
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  Mark Knopfler

 
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  Derek Trucks

 
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  Jeff Beck

 
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  Robby Krieger

 
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  Lindsey Buckingham

 
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  Mike Oldfield

File:Bikoff.jpg|Don Bikoff

Notes[edit]

1. Jump up^ Toronto finger style definition
2. Jump up^ Travis Picking Deconstructed,http://www.howtotuneaguitar.org/lessons/strumming-and-picking/travis-picking/
3. Jump up^ Daniel E. Smith, Dansm's Fingerpicking Songs, 5-24-99,http://www.webcitation.org/query?url=http://www.geocities.com/mike_mccracker/picking/song6.htm&date=2009-10-26+02:38:19
4. Jump up^ The little finger whose use is not completely standardized in classical guitar technique can also be found designated by e or x. There are several words in Spanish for the little finger: dedo meñique, dedo auricular, dedo pequeño, but their initials conflict with the initials of the other fingers; c is said to be the initial of the dedo chiquito which is not the most common name for the little finger; e and x are not initials but letters that were picked, either with its own rationale, by people who didn't know what else to pick
5. Jump up^ Tennant, Scott (1996). Pumping Nylon. Alfred pub. co.ISBN 978-0-88284-721-4.
6. Jump up^ "Music Lessons from". Homespuntapes.com. Retrieved 2010-03-01.
7. Jump up^ Sid Griffin and Eric Thompson (2006). Bluegrass Guitar: Know the Players, Play the Music, p.22. ISBN 0-87930-870-2.
8. Jump up^ Traum, Happy (1974). Bluegrass Guitar, p.23. ISBN 0-8256-0153-3.
9. Jump up^ Traum, Happy (1974). Fingerpicking Styles For Guitar. Oak Publications. ISBN 0-8256-0005-7.
10. Jump up^ Traum, Happy (1974). Fingerpicking Styles For Guitar, p.12. Oak Publications. ISBN 0-8256-0005-7. Hardcover (2005): ISBN 0-8256-0343-9.
11. Jump up^ Basics of Clawhammer Guitar

인도음악

힌두 3대 신 가운데 하나인 시바는 10개의 팔과 4개의 얼굴을 가졌으며, 눈은 셋이다. 검푸른 피부색을 지니고 있는데 이는 용(龍)의 독(毒)을 마셨기 때문이다. 머리에 반달 형상을 붙이고 목에는 뱀과 해골염주를 두르고 삼지창과 북을 들고 있다. 세상의 독을 다 마셔 버리기도 하고 엄청난 파괴를 일으키기도 한다. 맹독을 가진 코브라 뱀이 시바를 상징하듯 인도의 화장터에 가면 시바신을 모셔 놓고 있다. 시바신은 탄생과 창조의 신이며 죽음과 파괴의 신이다. 창조와 파괴, 죽음과 태어남을 하나로 보는 인도 사람들의 세계관이 투영된 신이다. 준엄한 죽음의 신이 탄생의 신이기도 하다는 것이 인도인들의 윤회 사상을 엿볼 수 있는 근거가 된다. 창조를 위해 우선 파괴가 되어야 한다. 새로 태어나기 위해서는 우선 죽어야 한다. 이는 큰 지혜를 담고 있다. 죽음을 초월할 수 있는 정신적 근거를 제공하기 때문이다. 
시바는 여러 개의 분신을 가지고 있는데 히말라야의 깊은 동굴 안에서 명상하는 모습으로 나타나기도 한다. 이 가운데 춤, 음악, 연극의 신인 나타라지(Nataraj)를 포함한다. 인도의 신상(神像) 가운데 한 다리를 들고 여러 개의 팔로 춤을 추는 모습을 쉽게 볼 수 있다. 이 상이 시바신이 예술의 신으로 변한 나타라지이다. 인도 음악은 나타라지의 현현이다. 시바신의 또 다른 모습이 바로 음악인 것이다.
인도음악은 오랜 역사를 지니고 있고, 이론적으로 고도로 발전된 형태를 취한다. 악기도 구조적으로 뛰어난 음향구조를 지니고 있다. 현재 구미 각국의 많은 음악가들이 인도음악에서 아이디어를 차용한다. 그것은 인도음악에서 무궁한 아이디어를 길어 올릴 수 있기 때문이다. 인도인들이 음악을 보아온 관점이 현재 우리가 일반적으로 알고 있는 음악이라는 개념과 많은 차이가 나는 것이 아이디어를 건져낼 수 있는 키포인트가 된다. 우선 그들 음악의 다양성이 가장 주목되는 부분이다. 그 다양성은 그들의 역사에서 찾을 수 있다. 오랜 외세의 침입으로 혼합된 문화와 그들의 삶을 관통해 온 종교관 그리고 척박한 땅에서 줄기차게 이어 온 삶의 지혜에서 비롯된다. 그 삶의 지혜가 기록된 책이 힌두교 경전인 '리그베다'(Rigveda) 혹은 ‘베다’이다. 인간 삶의 모든 지혜가 간직된 최고의 경전이다.
베다의 형성은 인도의 역사에서 비롯된다. 인도역사에서 주목할 부분은 아리아 민족(시베리아 남북부와 투르키스탄 등지에 살던 유목민으로 BC 18, 17세기경부터 목초지를 따라 대이동을 시작했다)의 이동과 인도 정착이다. 이들이 인도대륙에 이른 것은 대략 BC 15~13세기경이었다. 전쟁에 이긴 아리안은 원주민들을 노예화했다. 그리고 지배를 영속적인 것으로 지속시키기 위한 방편으로 이를 사회의 시스템으로 고착시켰다. 그것이 바로 카스트 제도이다. 이는 제정일치 사회의 공통된 관습이지만 비교적 오래 지속된 인류의 관행이다. 카스트의 최상위 계급은 신에게 제사 드리는 의식을 담당하던 사제 그룹인 브라만이다.
신의 세계를 상정하고, 인간사를 그 신의 권능에 의지하는 것이 아리안의 기본 종교관이었다. 그 신을 찬양하고 경건하게 예배드리는 법식을 집대성한 성전이 바로 베다이다. 베다에는 인간의 한계를 발견하고, 고뇌하며, 절대자를 만나 본래 자기의 모습을 찾아가는 발자취를 담고 있다. 베다는 구전으로 전승되다가 4세기경에 기록되었다. 그 과정에서 수많은 삶의 경험과 지혜가 축적되어 오늘 날의 형태가 갖추어 졌다. 이런 점에서 베다는 인도인들만의 경전이 아니라, 인류 정신사의 고전이랄 수 있다. 베다에는 리그베다, 사마베다, 아주르베다, 아타르바베다의 네 종류가 있다. 이는 의식을 지낼 때 제관(祭官)의 역할에 따라 구분한 것이다. 베다는 ‘지식’ 또는 ‘종교적 지식’을 의미한다.
인도 대륙은 지속적인 외세의 침입으로 다양한 문화를 흡수하게 된다. 10세기말에는 투르크와 아랍계의 침입에 시달리다가 마침내 그들의 지배를 받게 되었다. 12세기말 13세기 초에는 이슬람 족이 인도 대륙 북부 지방을 정복하여 아라비아와 페르시아의 문화가 유입된다. 북부의 힌두스타니 음악은 고대 힌두의 음악전통과 이슬람 음악이 섞임으로써 생긴 반면, 남부의 카르나타카 음악에는 외부의 영향 없이 힌두 음악의 원형이 남아 있다. 힌두스타니 음악이 즉흥성이 많고, 풍부한 기악을 사용하는 반면, 카르나타 음악은 종교성이 강하고 성악을 많이 사용한다. 
이런 역사적 과정을 거치면서 인도 대륙에는 다양한 문화가 공존하게 되었다. 그들은 외래문화를 배척하는 대신 오히려 수용하는 자세를 보인다. 인도의 전통음악을 연주하는 악기 가운데에는 바이올린, 하모니움(손풍금) 등 전통 서양악기가 있다. 타현악기인 사로드(sarod)는 약 2세기 전 아프가니스탄의 라밥(rabab)이라는 악기가 인도로 들어와 토착화한 것이다. 
인도가 외래문화를 배척하지 않는 것은 자신들의 문화에 대한 자부심에서 비롯된다. 어떠한 문화든 그들은 받아들인다. 힌두교가 일반화 된 사회에서 회교, 천주교, 기독교 등이 공존하는 것도 이 때문이다. 인도인들이 외래문화 유입에 관대한 것은 자신들의 문화가 우위에 있음을 믿고 있기 때문이다. 그러나 아이러니하게도 무차별 적인 공격력을 자랑하는 서구음악은 인도에서는 맥을 쓰지 못하고 있다.클래식, 팝송 등 서양의 음악은 있기는 하되 그 힘이 미약하고 그 대신 자신들의 전통음악이 그들 삶의 대부분을 차지한다. 이는 인도음악이 서구 음악보다 훨씬 깊고 발달한 이론을 배경으로 하고 있기 때문으로 풀이된다. 이미 삼천년도 더 된 베다 시절에 확립된 음악 이론을 오늘날에도 적용시키고 있는 그들이기에 역사가 일천한 교향곡, 오페라 등 인류의 찬란한 음악문화가 그들에게 큰 의미를 제공하지 못하고 있는 것이다.
그들의 음악은 신과 교감하는 음악, 인간을 구원하는 음악이기에 예술적 감상의 대상이나 여흥을 위한 음악은 별 의미를 갖지 못한다. 예술성과 여흥은 음악행위에 자연 발생적으로 파생하는 것이지 그 목적이 아니다. 서구화된 관점에서 바라보는 음악과 그들이 생각하는 음악과는 발상부터가 다르다. 결국 나타나는 외형이나 발전 방향, 음악을 향유하는 방식 등이 다르다. 
반면 흡수된 문화는 새롭게 발효되어 인도문화의 한 부분을 차지한다. 그들의 수용성 앞에 그리스를 지배한 로마인들이 그리스 문화에 동화되듯 오히려 지배민족이 인도 문화의 영향을 받기도 했다. 영국인들이 홍차를 마시며 하루 일과를 시작하는 것도 인도 문화의 영향이다. 인도는 이렇듯 오랜 세월에 걸쳐 주변국 혹은 자신들을 지배한 나라에 자신들의 문화를 전파했다.
우리나라 역시 엄청난 영향을 받았다. 불교음악인 범패는 ‘인도의 소리’라는 뜻으로 8세기에 우리나라에 들어와 토착화되었다. 우리 농악에서 유일하게 사용되는 멜로디 악기인 날라리는 태평소, 대평소, 호적, 철적, 새납, 쇄납, 소이나 등으로 불리고 있다. 1993년, 국립국악원에서 이를 새납으로 통일해 부르기로 의결한 바 있다. 인도에 이 새납과 거의 비슷한 악기가 있다. 리드의 폭과 원추형 관이 약간 넓어 우리 악기에 비해 저음이 나오지만 동일한 악기로 보아야 한다. 인도에서는 이 악기를 쉐나이라고 한다. 쉐나이와 새납, 이는 우리 음악과 인도음악과의 연결을 의미하는 징표이다. 이 외에도 라가와 산조의 형식에서 찾아지는 동일감도 있다. 이러한 동질성에서 인도음악과 우리 음악이 갖는 상관관계를 유추해 볼 수 있다. 인도음악은 결코 낯선 음악이 아니다. 
소리를 내는 구조가 문제가 아니라 무엇을 표현하느냐가 음악의 관건이라면 결국 얼마나 인간의 깊은 내면을 두드리느냐가 음악가들의 화두가 된다. 이런 측면에서 인도음악은 서구음악보다 훨씬 성숙된 면모를 보인다. 엄격한 이론과 심도 있게 확립된 음악의 구조 그리고 다양한 음색을 들을 수 있는 수많은 악기들이 밑받침이 된다.
그들이 사용하는 악기는 서양악기 즉 플루트로부터 시작해서 목관, 금관, 현으로 배열되는 오케스트라 스코어에 나타나는 악기(일반적으로 12가지 정도)보다 훨씬 많다. 매니어들이 알고 있는 시타르와 타블라 외에 전술한 쉐나이와 반수리(대나무 플루트), 사랑기(찰현악기), 사로드(타현악기), 산투르(이상 현악기), 탐부라(지속음을 내는 현악기) 외에 셀 수 없이 많은 악기들이 있다. 인도의 음악인들조차 모르는 자기네 악기가 있을 정도이니 그들의 악기가 얼마나 다양한지 알 수 있다. 넓은 지역에 다양한 민족과 문화가 분포되어있기에 악기 역시 다양할 수밖에 없다. 바이올린이 인도의 전통악기가 되었고, 작은 풍금인 하모니움 역시 널리 쓰이고 있다는 것은 이미 밝힌 바 있다. 그들은 어떠한 악기라도 자기들의 음악을 울리는 악기로 수용하는 거대한 용해력을 보인다.
인도 현악기의 발음구조에는 배음현(울림줄)이 있어서 본 줄이 울리면 배음이 함께 공명하는 특징을 지닌다. 이로써 풍부한 울림과 신비한 분위기를 자아낸다. 서양악기에 비해 과학적으로 훨씬 발달된 구조를 지니고 있는 것이다. 그러나 그 접근이 쉽지 않은 것은 음악을 대하는 습관화된 궤도를 벗어나기 어려운 애호가들의 속성 때문이다. 인도음악이 난해하기 때문이 아니라 애호가들에게 문제가 있는 것이다. 한마디로 익숙하지 않다는 것이 가장 큰 이유이다. 그 이면에는 서양문화를 최고의 것으로 받아들인 우리 사회의 무분별한 서구문화 지상주의와 서구문명의 무차별적 식민지 의식화가 도사리고 있다. 이런 자각을 통해 귀가 열리면 다양한 기악은 물론 수많은 형태의 성악과 무용음악 그리고 명상과 종교음악 등 우리의 상상을 초월하고도 남는 거대한 볼륨의 음악이 오래 전부터 존재하고 있었다는 사실에 전율하게 된다. 
인도음악의 음악적 특성 가운데 가장 두드러진 것은 드론(drone 지속음)의 사용이다. 드론은 하나의 음악적 파장을 집요하게 제시하는 것을 말한다. 주로 탐부라를 사용하는데 때로는 관악기나 하모니움 혹은 일렉트릭 머쉰으로 대용하기도 한다. 드론은 철저히 정해진 조성을 일탈하는 일이 없도록 기준 점을 제시하는 역할을 한다. 이 드론의 선택은 종교, 철학, 사상 등을 기본으로 이루어진다. 자연의 에너지와 조율된 파장을 선택하는 것이다. 이로써 드론은 듣는 이들을 몰입시키고 황홀경으로 몰아넣는 역할을 한다. 인도의 음악이 치유(힐링) 음악으로 효과가 있는 것은 드론의 역할이 크다. 지속되는 하나의 파장이 듣는 이들의 심신에 지속적인 영향을 미치기 때문이다. 이런 점에서 서양음악의 변천이 화성의 수학적, 미학적 논리 탐구의 역사라면 인도의 음악은 철저히 상반된 개념을 가지고 있는 음악이라 할 수 있다. 서구문화가 파헤치고 분리하고 확장시키는 문화라면 인도문화는 융합하고 단순화시키는 문화라고 할 수 있다. 필자는 이를 유일신과 다신 종교 혹은 문화적 단순성과 다양성에서 비롯된 것으로 풀이한다. 인도음악 가운데 라가(raga)는 자연계의 파장을 인간에게 이롭게 조율하는 의미를 갖는다. 그렇기에 인도에서는 아침에 듣는 음악과 저녁에 듣는 음악이 따로 있고 보름달 뜬 날의 음악과 장마철의 음악이 다르다. 이러한 구분의 근본은 명상에서 비롯된다. 자연계의 파장을 읽는 것이 명상의 한부분이기에 결국 인도사람들에게 있어서 음악은 명상이 된다. 인도에서 음악을 연주하는 것은 신에게 바치기 위한 것이다. 이런 점에서 예술적 미학을 추구하거나 여흥이나 휴식을 위한 음악과는 근본부터가 다르다. 1960년대 미국과 유럽의 많은 음악인들이 인도를 찾았다. 그들은 자신들의 음악에 인도의 신비함을 담고자했다. 비틀즈가 인도음악을 인용했고 그 이전에 흑인 재즈 연주자인 테너색소폰 연주자 존 콜트레인이 인도를 여행하며 음악을 통한 구도를 했다. 1960년대 말 기타리스트 카를로스 산타나와 존 맥러플린이 인도에서 음악적 교우를 쌓았다. 구루 친모이 밑에서 동문수학한 이들은 자신들이 경험한 세계를 'Love Devotion Surrender'라는 앨범으로 구현하기도 했다. 존 맥러플린은 구루 친모이로부터 '마하비쉬누'라는 사냐스 네임(구도자 이름)을 얻었다. 70년대 초, 존 맥러플린이 이끈 퓨전재즈 그룹 '마하비쉬누 오케스트'라는 이런 연유로 생긴 명칭이다. 이들의 음악은 명상성이 두드러져 많은 사랑을 받는다. 
인도는 오랜 역사와 다양한 문화 그리고 많은 종족과 언어만큼 다양한 장르의 음악이 있다. 그 가운데 중요한 의미를 지닌 장르에 대해 알아본다. 

라가(Raag / Raga)

라가는 인도음악에서 가장 중요한 부분을 차지한다. 인류가 보유하고 있는 음악 가운데 정신적으로 가장 고양된 음악이며 최고의 명상음악이기 때문이다. 서력기원 이전, 타문화권이 아직 원시상태에 있을 때 인도는 고도로 정제된 음악이론을 확립했고, 그 이론은 아직도 유효하다. 물론 역사의 길고 짧음으로 음악의 깊이를 헤아린다는 것은 위험한 발상이지만 또 무시할 수 없는 것이 역사가 아닌가. 
인도 사람들은 인간의 감정을 아홉 가지로 나눈다. 이를 '나브라스'(navras)라고 한다. 이는 힌디어로 아홉을 뜻하는 나바(rava)와 감정을 뜻하는 라사(rasa)의 합성어로 기쁨, 즐거움, 사랑, 분노, 증오 같은 우리네 칠정(七情)과 비슷한 개념이다. 특이한 것은 성욕도 포함시키고 있는 점이다. 우리는 성욕은 오욕(五慾) 가운데 하나로 분류한다. 이는 인도사람과 우리의 관념 차이라고 생각한다. 성욕은 감정에서 비롯되는 욕망이 아닐까.
이러한 인간의 감정(라사)과 분위기를 표현하는 특정한 음계를 라가(raag, raga)라고 한다. 산스크리트어로 '색채', '정열', ‘욕망’, ‘환희‘, ‘성교‘ 등의 뜻을 지녔다. 그리고 이러한 인간의 정서와 분위기를 표현하기 위한 선율형을 가진 선법(旋法 : 음의 배열 방식) 혹은 이 선법에서 비롯되는 음악을 라가라고 한다. 그러니까 라가 음악은 라가 선법을 사용한 음악을 지칭하는 것이다. 라가는 라가음계를 이용하여 즉흥으로 연주되는데, 각 라가마다 음들의 위계, 액센트와 장식음 등 특별한 접근 방식이 따로 존재한다. 특정 라가를 연주할 때 연주자는 이 라가 음들만을 엄격하게 사용한다. 이로써 특정 라가의 분위기인 '라사'(rasa : 인간이 정서적 반응하는 분위기)가 형성된다. 라사의 개념은 일찍이 고대 인도를 침략한 아리아인들이 느낌의 종류를 분류했을 때부터 있었지만 라가라는 명칭이 처음 발견된 것은 8세기부터이다.
인도사람들은 우주 에너지의 변화에 따라 하루 24시간을 두 시간대로 나누어 그 시간대에 따라 연주할 라가를 정해 놓았다. 해가 뜨기 전, 아침, 낮, 황혼, 밤 등 두 시간 단위로 연주해야 할 라가를 분류했다. 아침 라가(Bhairav), 저녁 라가(Rageshri), 밤의 라가(Yaman : 야만은 인도의 기본적인 라가 가운데 하나로 무슬림에서 기원했다. 지고한 신성에 대한 복종을 의미한다. 이른 밤에 연주된다. 야만의 원뜻은 ’연인을 잃고 밤에 홀로 돌아온 남자‘) 등 이 있는데, 그 12개의 라가도 우기와 건기, 신분의 차이 등 다양한 상황에 따라 수많은 라가로 나뉜다. 철에 따른 라가로는 비의 라가(Malhar 장마철에 많이 연주된다) 등이 있고, 신분에 따른 것으로는 왕(王)의 라가인 부팔리(Bhoopali 혹은 Bhoop : ‘제왕의 라가’라고 불리는데, 왕이 기상하는 아침 시간대인 오전 6시 - 8시에 연주된다. 우리나라의 평조(平調)와 같다. C D E G A - 펜타토닉 스케일) 등 다양한 라가가 있다. 지방에 따라서도 다른 라가가 존재한다. 이렇듯 특정한 상황과 연주 환경에 따라 사용할 라가가 엄격하게 적용된다. 상황에 맞지 않는 라가를 연주하면 맑은 날 우산을 쓰고 다니는 것처럼 부적절한 것으로 여겨진다. 그래서 라가의 옳고 그른 사용법에 관계된 신화도 생겨났다. 라가는 모든 악기로 연주한다. 성악으로도 가능하다. 광범위하게 말해서 라가는 즉흥연주를 위한 음악적 틀이다.
선법으로의 라가는 보통 5 ~ 7음으로 구성되는데 9개 이상의 음으로 구성된 것도 있다. 어떤 경우에는 상행과 하행의 형태가 서로 다르다. 예를 들어 상행은 7음계, 하행은 5음계로 구성되거나, 상행 6음과 하행 7음 등 다양한 구성이 있다. 이론적으로 삼천 여개의 라가가 존재한다. 이 선법으로서의 라가는 락이나 영화음악 등 인도의 모든 음악에서 널리 활용된다. 
인도의 고전 음악으로서의 라가 연주(그들은 라가를 영어로 India Classical Music이라고 부른다)는 탈라(tala)라고 하는 독특한 박자 단위와 함께 전개된다. 다시 말해 라가는 멜로디의 진행 방식이고, 탈라는 박자의 변환 방식이다. 탈라는 하나의 시간 단위 안에서 일정한 수의 박과 일정한 강세 패턴을 갖는다. 단순한 것부터 비대칭적인 다양한 변박이 있다. 연주자들(기악 혹은 성악 연주자와 타블라 연주자)은 리듬에 변화를 주면서 자유롭게 진행할 수 있지만 새로운 탈라가 시작하는 첫 박자인 삼(sam)은 서로 일치되어야 한다.
라가는 자유롭고 느리게 연주하는 알라프(alap)로 시작한다. 연주자는 특별한 박이 없이 선택한 라가의 음을 하나하나 골라가며 연주할 라가의 구조로 들어가는 길을 제시한다. 탐부라에 의한 지속음(드론)의 반주만 있을 뿐 타블라는 사용되지 않는다. 이 부분은 전주 부분으로 듣는 사람에게 음계의 음들을 서서히 알려주는 것을 뜻한다. 마치 여행을 떠나기 전에 지도를 펴놓고 브리핑을 하는 것과 같다. 우리 산조의 다스름에 해당하는 부분이다. 
이어서 리듬 패턴이 나타나는데 이 부분을 조드(Jod or Jor)라고 한다. 알라프에서 확립된 기분에 리듬을 얹어 즉흥연주를 하는 것이다. 만반의 준비가 끝난 연주자가 시운전을 해 보는 것이라고 할까. 산조의 진양조에 해당한다. 큰 의미로는 알라프의 한 부분으로 볼 수 있다. 이 부분에서 음악은 속도가 조금 빨라지고 음들의 움직임도 조금 많아진다. 
이어 타블라 반주가 나타난다. 이 부분을 잘라(Jhala 혹은 Zala라고 한다. 때로는 Zhala라고도 쓰는데 이는 힌디어나 산스크리트를 알파벳으로 옮길 때 나타나는 현상이다)라고 한다. 스피드가 점진되며 감정이 고조된다. 액셀레이터를 밟고 본격 주행하는 부분이다. 산조에서 중모리에서 휘모리로 이어지는 부분이다. 이 부분을 가트(Gat 혹은 Ghat)라고 하는데, 라가의 다양한 변주와 탈라의 현란한 변화 속에 즉흥적으로 논리성을 가지고 클라이막스를 향해 간다. 이 부분이 라가의 본체로 연주자와 반주인 타블라와의 대화를 포함하여 에피소드를 지속적으로 만들어가 나가는 부분이다. 보통 타블라 연주자의 기교를 과시하는 부분이 있는데, 이때 솔리스트는 타임키핑(time keeping)을 하듯 단순한 가트를 반복적으로 연주한다. 곡은 클라이막스 상태에서 끝난다. 
때로는 가트라는 타이틀로 알라프와 조드 부분이 없이 연주되기도 한다. 가트는 느린 부분인 빌라미트(Vilambit)와 빠른 부분인 드루트(Drut)로 구성된다. 가트는 기악을 위한 구성(compositions)을 말한다. 성악의 경우는 반디쉬(Bandish)라고 한다. 
필자의 경험 가운데 가장 흥미로운 것은 라가를 연주할 때 청중들이 추임새를 하는 것이다. 우리네 판소리나 산조에서 청중들이 추임새를 하듯 그들도 하나의 프레이즈가 끝나면 아하!, 와우! 등으로 맞장구를 치며 ‘잘한다’는 신호를 보내 연주자의 흥을 돋군다. 
라가는 그 자체로 신에 다가가는 기도이다. 그래서 인도에서는 음악가들이 사회적으로 큰 존경을 받는다. 연주할 때 음악의 신이 옆에 와서 음악을 불러준다는 이야기도 전해진다. 이러한 과장은 음악을 종교적 행위로 간주하는 그들의 의식 때문이다. 음악가들은 적어도 100개 이상의 라가를 구사할 줄 알아야 하고 모든 탈라에 익숙해져 있어야 한다. 
라가는 그 역사만큼이나 그에 대한 이야기가 많다. ‘인도 성악의 아버지’로 불리우는 탄센(Mian Tansen)이 악바르 황제의 궁정악사장이 되었다. 어느 날 황제가 탄센에게 라가 디팍을 부를 것을 명령했다. 탄센은 감히 그 명령을 거역하지 못하고 라가 디팍을 부르기 시작했다. 그러자 궁정에 있는 등불들이 하나씩 저절로 켜졌다는 이야기가 전해진다. 

바잔(Bhajan)

바잔은 신을 찬양하는 단순한 노래로 영적인 진실을 노래한다. 14세기에서 17세기 사이에 씌어진 노래(시)로 농부, 상인 등 평범한 이들의 단순한 언어로 되어있다. 이런 점에서 바잔은 당시의 삶의 모습을 연구하는데 좋은 자료가 된다.
무굴시대(1526∼1857 : 16세기 전반에서 19세기 중엽까지 인도 지역을 통치한 이슬람 왕조. 악바르 황제(재위 1556∼1605) 때 전성기를 누렸으나 1700 초부터 세력을 잃었다)에 일어난 박티운동(인격적인 신에 대한 강한 애착심과 사랑을 강조하는 신앙운동)의 핵심이 영혼의 구원이었다. 신에의 사랑을 지닌 이는 누구나 소원하는 것이 ‘영혼의 구원’이다. 구원은 제를 지내거나 종교 집회 등 형식에 의해 이루어지는 것이 아니기에 신과 인간에의 사랑을 우선시 한다. 바잔은 박티운동의 핵심으로 발전하였다. 
바잔은 음악적으로 서술하기 쉽지 않다. 그 핵심이 신앙심으로 규정되는 음악이기 때문이다. 단순한 노래인 둔(dhun)에서 툼리(thumri) 같은 고도로 발달한 음악까지 폭넓은 스펙트럼을 지닌다. 내용 역시 폭이 넓다. 서민들의 시에서 부터 미라, 수르다스, 카비르 같은 위대한 이들의 시를 포함한다.

샤바드(Shabad)

샤바드는 바잔과 흡사한 형태로 시크교도 사이에 불리는 신에의 사랑노래이다. 신과 자연을 언어로 찬양하는 샤바드는 시크의 경전인 구루 그란트 사히브(Guru Granth Sahib)에서 비롯되었다. 사히브는 ‘스승으로부터의 메시지’라는 의미로 고도로 세련되고 영적으로 고양된 철학을 지니고 있다. 방대한 지식과 헌신 그리고 명상을 통해 그 진리를 알 수 있다고 한다. 샤바드는 라기스(raagis)라고 불리는 전문 연주 단체에 의해 연주된다. 원래 엄격히 경전을 노래하는 명상적 음악이었는데 최근에는 보다 쉬운 형태로 변해가는 경향이 있다. 

키르탄(Kirtan) 

키르탄은 역시 바잔과 관련이 있다. 바잔은 통상 연주자들이 부르는 반면, 키르탄은 청중들이 참여한다. 음악적 특징은 청중도 함께하기 위해 단순하다, 힌두와 시크는 키르탄, 힌두 가운데에서도 구자라트 지방에서는 둔(Dhun)이라 부른다. 90년대 중반 인도 여행 중 필자도 키르탄에 참석한 적이 있는데 같이 노래하고 춤추며 열광하는 것을 보며 종교적 카타르시스라는 느낌을 받은 기억이 있다. 

가잘(Ghazal)

아름다운 시를 사용한 고급스러운 사랑노래로 지구상 가장 로맨틱한 노래로 알려져 있다. 우르드 어(파키스탄 언어)로 노래되는데, ‘사랑을 속살일 때는 우르드 어로 하라’는 말이 있을 정도로 우르드 어는 달콤한 언어라고 한다. 아라비아에서 기원하여 인도와 파키스탄의 대중들에게 인기 있는 음악이다. ‘가잘’이라는 뜻은 아랍어로 ‘설교’라는 뜻이다. 다른 듯은 ‘여인에게 말하기’이다. 원래는 시의 낭독형식이었는데 음악으로 변이된 것이다. 결국 ‘여인을 유혹하기 위한 서정시’가 노래로 변한 것이니 그 내용이 얼마나 로맨틱하가 짐작할 수 있다,
인도는 페르시아의 많은 영향을 받았는데, 그 영향은 인도에 거대한 영감을 주었다. 가잘을 비롯한 많은 문화가 12 - 18세기에 걸쳐 인도로 유입되었다. 가잘은 원래 10세기에 아라비아에서 이란으로 들어 온 시의 형식에 콰시다(qasida)라는 것이 변형된 것이다. 콰시다(qasida)는 왕(군주)의 위대성을 노래하던 대규모의 서정시로 두 줄의 시귀(詩句)가 100귀가 넘는 경우도 있다. 콰시다의 한 부분으로 타십(tashib)이 있는데 이것이 가잘이 되었고, 곧 이란의 대중적 시가 되었다. 가잘은 12세기에 인도로 전해지고, 북인도사회의 인기를 끌었다. 그 후 인도의 로칼 컬러가 가미되어 인도의 무슬림 사이에서 오랫동안 전수되다가 북인도로 전파되었다. 북인도에서는 19세기경 시어로 우르드 어를 사용하기 시작했다.
이 시들이 느린 음악형식으로 변하기 시작한 것은 18 - 19세기에 타와이프(tawaif)라고 불리는 귀족의 정부(기생)들에 의해서였다. 타와이프들은 문학, 춤, 매너 등 모든 고급문화에 능했다. 이들은 자신들의 음악적 재능을 과시할 때 가잘을 노래했다. 이런 문화가 19세기 말 20세기 초 들어 사라지면서 가잘이라는 음악형태로 남았다. 현재는 콘서트 장의 음악이 되었다. 
가잘의 시적인 구조는 엄격하다. 엄밀한 리듬구조에 따라 2행 연구(聯句)인 카풀렛으로 짜여있다. 도입부 카플렛(마틀라 matla), 본론, 결말로 구성된다. 도입부인 마틀라는 전체 가잘의 분위기를 제시하기 때문에 대단히 중시된다. 마틀라는 둘로 나뉘는데 두 번째는 ‘마틀라 에 사니’(matla-e-sani)라고 한다. 마틀라 에 사니는 노래가 지속되는 동안 집요하게 반복된다. 마틀라 에 사니를 A라고 하면 BA, CA, DA 식으로 반복된다. 이 외에 라디프(radif)가 있는데 이는 보통 2-3개의 단어로 구성된 첫줄의 한 부분으로 가잘 전체에 걸쳐서 지속적으로 나타난다. 마지막 카플렉은 막타(maqta)라고 부르는데 통상 시를 쓴 사람의 개인적인 내용을 담고 있다. 이 부분은 아주 다른 톤으로 부른다. 최근에는 이를 생략하는 경우도 많다. 
가잘에는 몇 개의 공통된 주제가 있다. 전형적인 스타일로는 짝사랑, 열광, 묵상이 순환하여 나타난다. 물론 주요주제는 짝사랑이지만 사회를 비판하고 종교를 조롱하는 내용도 있다. 가잘은 현재 영화음악에서 많이 쓰이는데 시적인 내용의 순수성과 형식이 훼손되기 때문에 비난을 받기도 한다.

카왈리(Qawwali)

인도, 파키스탄 지역에서 볼 수 있는 이슬람 수피(sufi)의 전통음악이다. 필자는 이 음악을 인류가 만들어 낸 음악 가운데 가장 몰입도가 높은 음악으로 판단한다. 코란은 항상 신을 생각할 것을 가르치는데 이를 디크르(dikr) 혹은 지크르(zkr)라고 한다. 카왈리는 디크르의 노래 형태이다. 마음속으로 품고 있는 신을 노래를 통해 만나는 일종의 접신의식이다. 직접적으로 신을 체험한다는 측면에서 수피의 전통과 뗄 수 없는 관계에 있다. 
카왈리는 집단으로 연주된다. 한사람의 메인 보컬과 서포팅 보컬리스트와 기악 연주자들로 구성되며 청중도 참여한다. 노래하는 이들은 자신들의 에너지를 서서히 끌어 올려 엑스타시 상태에 이르기까지 혼신의 힘을 다해 노래한다. 즉흥으로 펼쳐지는 음악은 접신의 경지에 이르러 클라이막스를 형성한다. 하모니움, 타블라, 돌라크(북인도의 타악기), 사랑기(찰현악기)와 라밥(아프가니스탄의 타현악기) 등 다양한 악기가 사용되고 박수가 리듬을 보좌한다.
카왈리는 아랍어인 카올(qaol)에서 비롯되었다. 이는 ‘자명한 이치’ 혹은 ‘공식견해’라는 뜻으로 ‘신의 뜻을 전한다’는 의미가 내포되어 있다. 카왈리를 부르는 사람을 카왈(Qawwal)이라고 한다. 카왈은 영적이고 예술적 완성도를 이룩한 사람들로 예언자의 이야기 전하거나 신을 찬양하는 사람을 말한다. 이들은 종교축일이나 결혼식 등 파티에 초대되어 여흥과 영적인 기운을 나누어 준다. 
카왈리에서는 정신적인 현상들이 목격된다. 한사람이 노래를 시작하면 이것이 변화하면서 반복되는데 이는 가사의 깊은 뜻을 음미하기 위한 것이다. 그 후 지속적인 반복을 거치며 가사는 점차 의미를 잃어가며 연주자와 청중들은 트랜스 상태(hal)로 들어가기 시작한다. 그 정점에서 참가자들은 영적으로 깨달음(fana)에 이르게 된다. 
카왈리의 멜로딕 라인에서는 페르시아와 아프가니스탄의 선법이 사용되기도 한다. 구조는 고전 라가형식과 흡사하다. 느린 알라프로 시작되는데, 이는 분위기를 만들어 가기 위한 작업이다. 이윽고 미디엄 템포의 본론으로 들어가면 서서히 흥분의 도가니로 몰고 간다. 엑스타시에 이르면 청중들이 돈을 내기 시작한다. 이를 벨(vel)이라고 하는데 돈이 나오기 시작하면 연주자들은 끝없이 연주를 이끌어 나가며 절정을 향해 치닫는다. 이런 점에서 우리네 사당패와 같은 성향을 지닌다. 
영적인 힘을 얻고자 음악을 사용하는 것은 마호메드 태생 이전부터 있었다. 초기 이슬람 학자들 사이에서 음악의 영적인 효과가 논의 되었는데 알 - 가잘리(al-Gazali 1085-1111)에 이르러 정착하기 시작했다. 11세기 말에는 영적인 지도자인 샤이크(shaikh)에 의해 벌어지던 사마(sama: 영적인 콘서트)가 있었다. 음악과 영적인 관계를 추구하는 원리는 수피의 치스티 종파 에 의해 보급되었고, 이것이 인도 파키스탄에서 카왈리로 전착했다. 
모이누딘 하산 치스티(1143-1234)에 의해 창시된 치스티 종파 중 한사람인 샤이크 니자무딘 아울리야(Shaikh Nizamuddin Auliya 1236-1325)는 델리의 신앙집회에서 음악을 사용하여 명성을 얻었다. 이 방식은 델리의 오소독스 이슬람교와 많은 마찰이 있었다. 그럼에도 그는 많은 사람들로부터 추앙을 받았다. 지금도 매년 그의 무덤에서 집회가 열린다. 
니자무딘으로부터 영향을 받은 아미르 쿠스르(Amir Khusru 1254-1324)는 카왈리 발전에 가장 중요한 사람이다. 그가 카왈리를 창시한 것으로 알려져 있으나 터키, 페르시아, 인도의 음악적 요소를 결합하여 카왈리를 발전시키고 대중적으로 널리 알린 장본인일 뿐 창시자라고 할 수는 없다. 그에 의해 페르시아의 마캄과 인도의 라가가 결합되어 오늘날까지 전해진다. 그는 모민푸르(Mominpur 일명 Patiala) 태생으로 8살에 아버지를 잃고 할머니 손에 자랐다. 원래 터키계였기에 광범위하게 이슬람 영향을 받을 수 있었다. 후에 킬지왕조(Khilji Dynasty)의 고문이 되기도 했다. 전설적 음악가, 철학자로 인도 음악사에서 큰 위치를 차지한다.
카왈리와 바잔은 무굴왕조 후반기에 서로 영향을 주고받으며 함께 발전했다. 아우랑제브(Aurangzeb : 무굴제국의 왕조. 역대 왕들은 힌두, 자이나, 블교 등 다른 종교와의 융합정책으로 안정된 국가를 이루어 왔으나 아우랑제브의 무자비한 타종교 탄압으로 제국은 쇠퇴하기 시작하여 18세기에는 허수아비 제국으로 몰락했다) 왕은 이슬람 원리주의자로 진보적인 수피의 전통을 싫어해서 음악의 사용을 엄격하게 금했다. 그는 궁정의 음악인들이 죽으면 악기를 같이 묻도록 했는데 ‘좋아 ! 깊이 묻게. 다시는 그 소리가 들리지 않도록’하고 말했다는 일화가 있다. 무굴왕조가 무너지고 영국의 지배 하에서도 카왈리는 정치적 목적에 따라 부침을 거듭했다. 혼란기에는 예술의 억압이 불가능하지만 반대로 후원도 쉽지 않다. 우리나라의 경우, 전두환 정권의 탄압에 백성들의 의식이 깨이며 전통문화에 대한 자각이 생겼다.
인도영화는 카왈리 보급에 큰 역할을 했다. 인도영화에서 카왈리는 필수였다. 원래 카왈리는 전통적으로 세속적이거나 조잡한 사건을 주제로 다루기도 했기 때문에 영화를 통해 대중에게 다가가는 것은 자연스러운 일이다. 영적인 존재가 일상에서 싸구려 상업적인 부분을 차지하는 것은 어느 사회나 마찬가지 현상이다. 
전설적 카왈인 누스라트 파테 알리 칸(Natsrat Fateh Ali Khan)은 인도는 물론 파키스탄과 유럽에서도 광범위한 사랑을 받았다. 그의 노래 가운데 하나인 ‘마인 토 피야’(Main To Piya Se Naina Lagaa Aayi Re)를 소개 한다. 위에 소개한 아미르 크스루에 의해 13세기에 작곡된 곡이다. 고대 힌디어인 브라지 바샤(Braj Bhasha 혹은 Braj Bhakha : 인도 우타르프라데시 주 마투라 시 주변에서 쓰는 인도 서부 방언. 19세기 후반까지 문어(文語)로 쓰였고 이 언어로 된 많은 문학작품은 마투라 지역과 밀접한 관련이 있는 신(神)인 크리슈나를 주제로 하고 있다)로 노래된다. 내용은 로맨틱한 사랑 이야기가 반전되는 심각한 이야기이다. 남편이 옆집 여인을 사랑하게 된 것이다. 노래의 시작은 작곡자이며 시인인 아미르 크스루의 시로 시작한다. 

결혼식 날 밤 나의 몸과 사랑하는 이의 영혼이 만나 하나의 색채가 되었다 
그러나 사랑의 강은 역류하여 다른 방향으로 흐르기 시작했다 
사랑 게임은 사랑하는 이와 하는 것 
내가 이기면 그는 머물고, 내가 지면 그는 떠난다 

이렇게 시작된 노래는 서서히 끓어오르며 가사를 배제한 채 무아지경에 으로 전이되어 클라이막스를 향해 간다. 이 과정에서 신을 만나게 된다. 
이 외에도 인도에는 그 역사와 축적된 문화의 깊이만큼이나 다양한 음악의 형태가 있다. 그 가운데 몇 가지만 간략히 소개한다. 

툼리(Thumri) 는 크리쉬나 신에의 연정을 담은 로맨틱하고 경건한 여성들의 노래이다. 인도의 방언인 브리지 바샤(Brij bhasha)로 불려진다. 
다드라(Dadra)는 툼리와 매우 흡사한 가벼운 세미 고전음악의 한 형식이다. 툼리에 비해 연주자에게 보다 많은 자유가 허용된다. 
드루파드(Dhrupad)는 북인도의 가장 오래된 노래로 파크와지(북의 일종으로 인도에서 널리 쓰이는 무리당감의 옛날 형태) 반주로 노래하는 강력한 음악 스타일이다. 전쟁의 승리와 왕의 권위 혹은 신화를 노래한다. 종교적 의미도 포함한다. 습득하기 어려운 음악이기도 하지만 형식이 너무 엄격하여 최근에는 거의 소멸상태에 있다.
담마르(Dhammar) 역시 오래된 성악으로 드루파드와 많이 흡사하다. 크리쉬나의 홀리 축제에서 불린다. 그래서 홀리(holi 혹은 hori)라고 불린다. 담마르가 조금 더 로맨틱하다. 현재는 많이 들을 수 없다. 
이 외에 다양한 음악형식이 있다. 카탈(Khatal), 타파(Tappa), 타라나(Tarana), 키트(Geet) 등 엄청난 양의 음악형식이 존재한다. 대부분의 음악이 신에게 바치거나 신을 찬양하는 음악이기에 명상음악의 범주에 넣을 수 있다. 그러나 영화음악의 대중화로 대중들로부터 고급음악은 급격히 멀어지고 있다. 

슬로카

슬로카(sloka)는 산스크리트어로 되어 있는 베다의 구절(句節)을 말한다. 보통 8행시가 4행씩 두 개의 절로 구분되어 있거나 16개 음절의 2행으로 구성된다. 32개의 음절로 된 시가의 형태를 띈다. 각 행은 파다(pada)라고 한다. 잠들기 전이나 아침에 일어났을 때 사원이나 집안의 성소에서 외우거나 각종 행사 전에 외운다. 스와미 구루데바(Swami Gurudeva Sivaya Subramuniya)에 따르면 슬로카의 각 행은 ‘깨달음의 캡슐’로, 슬로카를 외우는 것은 삶의 목적을 깨닫게 해준다고 한다. 인도 사람들은 의미만 아는 것으로도 힘이 되는데, 이를 암송하는 것은 더욱 큰 효과가 있다고 믿는다.
슬로카를 낭창하는 것은 묘한 종교적 삼동을 준다. 특히 이방인들에게는 신비감을 준다. 슬로카는 결국 삶을 찬미하는 노래인 것이다. 힌두교도들은 슬로카를 통해 명상에 들고, 슬로카를 통해 내면을 닦는다.

만트라

만트라(mantra 혹은 Mantram)는 내면의 빛과 색채와 같은 소리의 떨림(바이브레이션)이다. 만트라는 뇌의 숨어있는 세포를 일깨우는 힘을 지니고 있다. ‘옴’(Aum)은 여러 가지 만트라의 첫 음절로 사용되는데 이는 정신과 육체를 조화시키는 힘을 지니고 있다. 이를 통해 ‘완전한 존재’를 느낄 수 있다. 만트라는 뜻에 대해 알 필요가 없다. 그 자체로 의미가 있기 때문이다. 베다 최고의 만트라는 ‘나마시바야’(Na ma si va ya)이다. 만트라와 슬로카의 반복적 암송은 개인적 신앙심의 발로가 된다. 신비함을 불러일으킬 목적으로 암송되는데 힌두교도들은 그 힘이 위대하다고 칭송한다.
 
아유르베다 음악

아유르베다란 인도의 전통 의술을 말한다. 아유르는 ‘장수’, 베다는 ‘지식’이라는 뜻으로 생명과학을 의미한다. 발상은 약 3000년 전이며, 4개의 베다 중에서 가장 나중에 완성된 ‘아타르바베다’(Atharvaveda)에는 수많은 의약이 등장하는데, 후대에 이르러 주술의학(呪術醫學)에서 탈피하여 BC 500년 무렵에 ‘합리경험의학’으로서 완성되었다. 아유르베다에서는 3개의 도사(dosa)인 바유(vayu:風), 피타(pitta:熱), 카파(kapha:冷)가 균형을 이루어야 건강할 수 있다고 한다. 이를 위해 생약 등에 의한 균형을 도모하는 것이 치료의 원칙으로 되어 있다. 그래서 식사지도를 첫째로 꼽는다. 아울러 음악 치료가 보편화되어 있으며 라가 음악 자체가 치유음악으로 활용되고 있다. 라가가 지닌 자연 에너지를 전달하는 힘을 의학적으로 활용하는 것이다. 최근에는 아유르베다의 원리에 입각한 본격 치유음악을 만들기도 한다. 

 아나푸르나 데비 - 들리지 않는 멜로디

현존하는 인도의 음악인 가운데 가장 위대한 사람은 누구일까. 우문(愚問)이지만 많은 인도 사람들은 수르바하르(Surbahar : 베이스 시타르에 해당하는 악기, 수루바하르는 '봄의 멜로디'라는 의미이다. 사힙다드 칸에 의해 개발 되었다)의 살아있는 전설인 아나푸르나 데비(Annapurna Devi)를 꼽는다. 데비는 유명 시타르 연주자인 우스타드 알라딘 칸 (Ustad Allaudin Khan)의 딸로 유명 연주자인 우스타드 악바르 칸(Ustad Ali Akbar Khan)이 그녀의 오빠이다. 데비는 라비 샹카의 부인이었는데, 그녀는 남편인 라비 샹카보다 월등한 실력을 지니고 있다고 한다. 알려진 바로는 그녀는 아버지의 음악을 80 퍼센트 흡수했다고 한다. 오빠인 악바르 칸은 70 퍼센트, 라비 샹카는 40 퍼센트를 전수받았다고 알려졌다. 이렇듯 전설적인 명성을 지닌 그녀에게 많은 인도의 국보급 명인들이 제자가 되었다. 반수리의 하리 프라사드(Hari Prasad Chaurasia), 산투르 연주자 수레쉬 비하스(Suresh Vyas), 사로드 연주자인 바산트 카브라(Basant Kabra)와 라지브 타라나드(Rajeev Taranath), 시타르의 다니엘 브래들리(Daniel C Bradely) 등이다.
그녀와 라비 샹카와의 결혼 생활은 불우했다. 남편의 음악적 질투 때문이었다. 더구나 라비 샹카가 많은 연주여행으로 집을 비우는데다, 여성관계도 복잡해서 그녀는 마음고생을 많이 하였다. 남편보다 높은 명성을 얻지 않으려는 그녀는 공개 석상에서는 악기를 연주하지 않았다. 가끔 보름달이 뜨면 외로움을 이기지 못한 그녀가 자신의 집에서 연주를 하였는데 이것이 소문이 나서 보름달이 뜨면 그녀의 집 주위에는 많은 사람들이 몰려들고는 했다. 이 때 들을 수 있는 연주가 현존하는 인도 음악가들 가운데 최고의 연주임은 말할 것도 없다. 
아나푸르나 데비는 1927년 마이하르(Maihar) 태생으로, 1941년 5월 15일 라비 샹카와 결혼, 1982년 10월 이혼했다. 그녀는 1992년 12월 9일, 봄베이에서 루시 쿠마르 판디아(Rooshi Kumar Pandya)와 재혼을 한다, 그녀와 라비 샹카 사이에 아들이 수브호(Subhendra Shankar)가 있었는데 그는 1992년 51살로 세상을 떠났다. 
이상은 스와판 쿠마르 반도파디야(Swapan Kumar Bandopadhya)의 ‘들리지 않는 멜로디 - 안나 푸르나데비’(An Unheard Melody ANNAPURNA DEVI)에서 발췌한 것이다. 

http://en.wikipedia.org/wiki/Poetry

http://en.wikipedia.org/wiki/Ghazal

http://en.wikipedia.org/wiki/Filmi-ghazal

http://www.topghazals.org/

http://www.amazon.in/gp/bestsellers/music/1375847031/ref=pd_zg_hrsr_m_1_2_last

발리우드 (Bollywood) – 언제, 어디서, 누가, 무엇을, 왜, 어떻게?

발리우드 스타 아브히짓 바타차리아 (Abhijeet Bhattacharya)가 최근에 인도혈우연맹에 50,000 루피를 기부했다는 사실을 알고 계시나요? 인도 MTV 공로상 (MTV India Lifetime Achievement Award) 수상의 영광을 차지한 아브히짓 바타차리아는 동료 발리우드 스타 샨 (Shaan)과 인도혈우연맹과의 협력을 바탕으로, 인도에서 가장 존경 받는 엔터테인먼트 재원을 통해 혈우병 단체와 치료센터가 처한 현실에 대한 인식을 높였습니다.

발리우드가 인도 최다 영화를 제작하고 세계 필름 산업의 최대 중심지 중 하나임에도 불구하고, 십억명 이상의 인도에서 중 13,000명 내지 16,000명 만이 혈우병 진단을 받은 것으로 추산되나 보고되지 않은 사례가 많아 실제 예상되는 환자 수는 148,000명에 달하는 것으로 알려져 있습니다. 인도의 혈우병 실태와 마찬가지로, 발리우드의 선입관 역시 꼭 진정한 예술 행위를 반영하는 것만은 아닙니다.

발리우드는 뭄바이 (과거 명칭은 봄베이)로 집중된 인도 영화 산업을 할리우드 (미국 영화 산업의 중심지)에 빗대어 붙여진 명칭입니다. 이 명칭은 1970년대에 인도가 세계 최대 영화 생산국으로 급부상하며 미국을 따라잡고 있던 시기에 생긴 말입니다.

발리우드의 음악 산업 또한 필미 (Filmi)라는 고유 명칭으로 불리고 있는데, 이는 "영화"를 뜻하는 힌디어에서 유래되었습니다. 발리우드 음악의 흥미로운 점은 대부분 프로 녹음 가수가 미리 녹음을 하고 영화에 출현하는 배우가 노래에 맞춰 안무를 하며 립싱크를 한다는 것입니다. 대부분의 영화 속 등장인물들은 잘 맞춰진 연기와 안무를 선보이나, 직접 노래를 부르는 경우는 거의 없다고 볼 수 있습니다. 녹음 가수는 대개 영화 첫 장면에 자막으로 올라가는 출연진 명단 맨 앞 부분에 이름이 실리고 심지어 그들만의 두꺼운 팬 층까지 확보하고 있습니다. 일부 팬들은 단지 자기들이 좋아하는 보컬리스트의 노래를 듣기 위해 수준 이하의 영화를 보러 가기도 합니다.

녹음 가수들만이 관객의 호응을 사로잡는 것은 아닙니다. 발리우드 영화음악을 작곡하는 음악 감독들 또한 많은 팬들을 거느리고 있습니다.  이들 음악의 인기도는 보통 발리우드 영화의 운명에 따라 결정되곤 합니다. 또한 인도 팝송 음악은 발리우드의 영향을 많이 받습니다. 영화 및 음악 프로듀서들은 서로 협력하여 현대식 비트와 리듬의 영화음악을 만들고 리믹스하는 것으로 알려져 왔습니다.

발리우드 영화, 특히 초기 장르의 영화에서, 춤은 고전적인 인도 민속춤을 본떠 만든 스타일입니다. 그러나 춤 스타일은 서구식과 브로드웨이 식으로 점차 바뀌어 가고 있습니다. 미국 뮤지컬 영화와 매우 유사하게, 주인공들이 무용단으로도 알려진 안무단과 함께 연기하는 일이 잦습니다. 대부분의 경우, 노래와 춤이 나오는 장면에서는 비현실적이고 즉흥적으로, 때로는 같은 노래의 구절 사이 사이에 장소와 의상이 종종 바뀌기도 합니다. 관객의 비현실감을 확대하기 위해 감독은 아름다운 자연 경관이나 웅장한 건축물 같은 흥미로운 시각 요소들을 노래와 춤의 배경으로 구성하여 펼쳐놓는 영화화(picturization)라 불리는 기법을 사용합니다.

발리우드는 1899년도의 레슬링 경기를 주제로 한 인도 최초의 자체 제작 영화, 레슬러 (The Wrestler)를 시작으로 세계 영화 시장에 처음 진출하였으나, 1940년대 인도 독립 직전까지 발리우드 영화는 호평을 받지 못했습니다. 1940년대 이후에서부터야 발리우드의 첫 블록버스터급 영화들이 히트를 쳤으며, 대표적인 영화로 1951년작 아와르 (Awaara: 방랑자), 1955년작 쉬리 420 (Shree 420: 미스터 사기꾼), 1957년작 피야자 (Pyaasa: 갈증), 1959년작 카가스커풀 (Kaagaz Ke Phool: 종이꽃)이 있습니다.

1960년대 후반부터 1970년대 초반의 발리우드는 라제쉬 칸나 (Rajesh Khanna), 다멘드라 (Dharmendra), 산지브 쿠마르 (Sanjeev Kumar) 및 샤르밀라 타고르 (Sharmila Tagore) 같은 주연배우들이 활약한 로맨스 영화와 액션 영화가 주를 이루게 됩니다.

이후 1970년대 중 후반에, 발리우드 영화의 주 층은 로맨스 영화에서 인도 마피아의 폭력을 그대로 묘사한 영화들로 옮겨가게 됩니다. 이러한 트렌드는 1990년대 초까지 지속되었습니다.

1990년대 시기에 발리우드는 가족의 사랑을 주제로 한 영화와 로맨스 뮤지컬 장르에 또 다시 주력하게 됩니다. 이 당시, 액션과 코미디 장르도 흥행가두를 달렸습니다.

아시다시피, 2000년대 오늘날에는 발리우드 영화가 세계적으로 광범위한 인기를 얻고 있습니다. 발리우드는 바다 건너 서구 사회까지 영향력을 미쳐, 2001년에 출시된 영화 물랑루즈 같은 미국 뮤지컬 영화의 인지도 상승에 중요한 역할을 하기도 했습니다. 물랑루즈의 감독, 바즈 루어만 (Baz Luhrmann)은 발리우드 뮤지컬에서 직접적인 영감을 받았다고 인정했지요. 서양의 다른 많은 영화제작자들도 루어만 감독의 뒤를 이어 시카고 (Chicago), 프로듀서 (The Producers), 렌트 (Rent), 드림걸스 (Dreamgirls), 헤어스프레이 (Hairspray), 오페라의 유령 (Phantom of the Opera) 및 맘마미아 (Mamma Mia) 같은 뮤지컬 영화를 제작하고 감독했지요! 모두 할리우드에서 아주 유명한 배우들이 출연한 작품입니다.

발리우드는 그 시작이 비록 미진했으나 놀라운 발전을 거듭해왔습니다. 1899년 인물 사진작가 하리스찬드라 새카람 배타데카 (Harischandra Sakharam Bhatavdekar)가 제작한 인도 최초의 영화 레슬러(Wrestler)에서 2008년 오스카 수상작 슬럼독 밀리언에어(Slumdog Millionaire)에 이르기까지, 인도의 영화 예술은 인도뿐만 아니라 세계에 계속해서 영향을 미치고 있습니다.

http://en.wikipedia.org/wiki/Filmi

http://www.bollywoodmusic.com/

http://www.imdb.com/genre

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